華麗而清新的巴洛克音樂
巴洛克音樂在巴洛克時期剛開始的前50年，有著不規則、誇張卻豐富的聲響，到稍後期義大利作曲家柯賴里（Arcangelo Corelli，1653~1713）則傾向於比較規則與約束的作曲法，但卻充滿溫暖與熱情，在作品《聖誕協奏曲》裡，同時能聽到他把舞曲帶入宗教音樂之中，這意味著教會也在順應世俗。柯賴里是作曲家，又是小提琴演奏家，也是個指揮家，他寫的小提琴奏鳴曲，奠定了後起之秀寫作小提琴獨奏奏鳴曲的標竿。
巴洛克音樂存在極具珍貴的價值與貢獻，它有幾種特徵是以往音樂所沒有出現的，一個是數字低音（Basso Continuo）的技巧；一個是單旋律的表現法，叫單音歌曲（Monody）；另一個是歌劇（Opera）、神劇（Oratorio）、清唱劇（Cantata），還有宣敘調（Recitative）等皆在此時興起。最後達到巔峰時期，在巴哈與韓德爾兩位偉大的作曲家寫完眾多的傑作之後，巴洛克音樂時代於是畫下了休止符。
數字低音與單音歌曲
「數字低音」又稱「通奏低音」（Thorough Bass）是「巴洛克音樂」最主要的特色，所以巴洛克音樂時期也叫「數字低音時期」，數字低音的運用，導致曲子結構成為兩條線在發展；就是旋律與低音，有很強的對比效果，產生數字低音與高聲部渾然天成的美妙，其中留著一個空間，可插入即興的和聲。另外一個特點是即興演奏的風行與裝飾音的廣泛使用。這些都被用在獨奏奏鳴曲或是三重奏鳴曲上，它們在音樂形成時，提供了很重要的即興低音基礎。
所謂「單音歌曲」是在一個旋律上配以簡單的和聲伴奏的作曲法，簡潔清楚讓人易於聽懂，適合用在歌唱或是樂器獨奏。就像建築物一樣，有低音穩固的基盤，就可以在上面蓋出各種風貌的漂亮外觀。絃樂器以3個聲部輪唱旋律，一個搭一個，或前或後的出現。就像樓房一層、一層的往上加，錯綜複雜，最後成了宏偉壯麗的「聲音的建築物」。
這是1580年前後在義大利佛羅倫斯所孕育出來的形式，在文藝復興時期的複音音樂，有比較多的聲部和不同的旋律交織在一起，雖然呈現著優美的線條，但是比較複雜，讓人難以聽懂，它大都用於教會音樂，因為能夠表現出洪大莊嚴的氣勢。當時人們想聽到另外一種清晰、單純、稍快節奏的聲音，就有一些作曲家用這種簡單易懂的作曲手法來表現，也讓歌者易於表達感情。
歌劇不斷改良 確立地位
最早的歌劇是在1600年，義大利佛羅倫斯的作曲家佩里（J. Peri，1561~1633）根據希臘神話故事而寫的《尤麗狄茜》（Euridice），後來也有許多的作曲家也用這個題材來寫歌劇。佩里在此部歌劇中就是用了「單音歌曲」的形式。威尼斯的蒙特威爾第（Monteverdi，1567~1643）也繼承這種形式做更近一步的改良，在1607年做了《奧菲歐》（Orfeo），並在劇中加入很多戲劇音樂，充分發揮了詩的情境、增強旋律的美感與和聲的豐沛，以及極具效果的器樂編製，風格已接近現代歌劇，已漸漸的樹立了歌劇的地位。後來又出現在拿坡里的史卡拉第（Alessandro Scarlatti，1660~1725），他一直在做歌劇的改良，也發展出一種風格的歌劇。他對人聲甚為了解，在獨唱的清唱劇中表露無遺。1762年德國作曲家格魯克（Christoph Willibald Gluck，1714~1798），也寫了一部名作《奧菲歐與尤麗狄茜》（Orfeo ed Euridice）。
史卡拉第（Alessandro Scarlatti，1660~1725）。（維基百科）
格魯克（Christoph Willibald Gluck，1714~1798）。（維基百科）在歌劇中以樂器的和聲式伴奏方式，歌者以唱述的音調唱著劇中的情節，這叫做宣敘調，這些朗誦方式，在前述的作曲家作品中都有出現，後來這樣的唱法，史卡拉第使其發展為以優美的旋律而唱出動人的歌聲，就是所謂的「詠嘆調」，於是義大利歌劇傳統從此被確立起來。
至於神劇，是受到歌劇的影響而產生，是一種以宗教故事內容為題材，用演唱或演奏方式來表達對神的敬仰與對神的祈求禱告，後來神劇的命脈延續於新教徒較多的德國，德國作曲家巴哈、韓德爾與海頓等留下了許多的不朽神劇名作。
弦樂器、鍵盤樂器的製造
巴洛克時代當然也有樂器的產生，它隨著音樂的走向在發展與改良，在義大利與德國分別盛行弦樂器及鍵盤樂器的製造。16~17世紀義大利有3個著名的優秀小提琴製造家族；阿瑪第（1596~1648）、圭奈里（1626~1698）和史塔第瓦利（1644~1737）等，他們的技術已經是後無來者，小提琴的身價，也隨著無比優美的琴聲價值連城。這時代的音樂家在義大利除了柯賴里外，還有韋瓦第（Antonio Vivaldi，1678~1741）和塔替尼（Tartini，1692~1777），他們都是重要的、優異的演奏家與作曲家，為小提琴音樂開拓了一條康莊大道。而韋瓦第有另外一個別於這時期的作曲法，他喜好用標題定出音樂的內涵：「標題音樂」，如《四季》。另外在德國生產管風琴和大鍵琴，管風琴都放在教堂中演奏，這個龐大的樂器被稱為樂器之王，能發出莊嚴宏亮、震撼人心的聲響。巴洛克時代的德國是風琴音樂的中心，早期的風琴大師巴克斯泰烏德（Buxtehude，1673~1707），曾影響巴哈極深的大師之一。
韋瓦第（Antonio Vivaldi，1678~1741）。（維基百科）也屬鍵盤樂器的大鍵琴，又叫古鋼琴，是一種撥弦發聲的樂器，普遍用在16~18世紀之間，在此之前大鍵琴的音樂主要是舞曲，巴洛克時代則著重在組曲與變奏曲上，在初期義大利有一群音樂家，對大鍵琴比管風琴更為熱衷，代表人物為富雷斯可巴第（Girolamo Frescobaldi，1583~1643），他亦是個歌唱家，有高度的作曲技巧，共有68首風琴曲之多。同樣寫了許多奏鳴曲的法國作曲家庫普蘭（Francois Couperin，1668~1733）與義大利作曲家杜明尼可史卡拉第（Domenico Scarlatti，1685~1757），都是當時有名的大鍵琴家。史卡拉第還創造了兩手交叉彈奏的方法與快速音階的延長，他的名氣似乎凌駕於著名作曲家父親亞歷山大．史卡拉第（Alcssandro Scarlatti）之上。
大鍵琴，又叫古鋼琴，是一種撥弦發聲的樂器。（維基百科）巴哈也為大鍵琴做了眾多不朽的作品，包括創意曲、平均律鍵盤曲集、英國與法國組曲、組曲、半音幻想曲及賦格、義大利協奏曲、法國序曲與郭德堡變奏曲等。與巴哈同時期的韓德爾亦有重要的貢獻。
縱觀這偉大特殊的時代，巴洛克音樂是絕對的、完全的展現聲響之美，強調聲音的獨立存在，從這些由古樂器演出的巴洛克時代音樂裡，可以聽到一種「被遺忘了的聲音」——很遙遠、很典雅，音色清澈，無負擔。就像潺潺細流的河水，只要親近它，就能感受到被淨化後煥然一新的神清氣爽。
──摘編自《新紀元》72期◇
